sorties cinema

Publié le 25 Février 2020

Rialto (réalisé par Peter Mackie Burns)

Colm a dans la quarantaine, marié et père de deux adolescents. Toujours en deuil après la mort de son père, figure destructrice de sa vie, Colm a une relation difficile avec son propre fils, tandis qu'au travail, une récente prise de contrôle menace son emploi. Incapable de partager sa vulnérabilité avec sa femme, le monde de Colm s'effondre autour de lui. Au milieu de cette crise, Colm sollicite un jeune homme prostitué appelé Jay. Cette rencontre et son engouement croissant ont un effet profond sur Colm. Il trouve auprès de Jay un réconfort que personne d'autre ne peut lui fournir.

The Garden Left Behind (réalisé par Flavio Alves)

Ce film est le portrait poignant d'une femme trans confrontée à un monde qui peine à l'accepter. Tina (Carlie Guevara) est une femme trans sans papiers née au Mexique qui vit à New York avec sa grand-mère bien-aimée Eliana (Miriam Cruz). Tina est pleine d'énergie positive face à de nombreux obstacles, dont le petit ami Jason (Alex Kruz) qui refuse de la présenter à sa famille. Très touchant, les essais de Tina mettent en lumière les préjugés rencontrés par une communauté plus large dans un film où tous les personnages trans sont interprétés par des acteurs trans.

Moffie (réalisé par Oliver Hermanus)

L'Afrique du Sud en 1981 est le théâtre d'une représentation intense de la formation de l'armée d'un jeune homme gay sous le régime de l'apartheid. Alors que l'armée reçoit l'ordre de combattre l'Angola, tous les garçons blancs de plus de 16 ans sont enrôlés. L'adolescent Nicholas (Kai Luke Brummer) ne fait pas exception. Exposé à une culture implacablement machiste où le racisme eest institutionnalisé et l'homophobie virulente, il suit les ordres et garde sa sexualité invisible. Pourtant Il lui est impossible de résister à une puissante attraction pour une des recrues Stassen (Ryan de Villiers).

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Rédigé par Michael

Publié dans #sorties cinéma, #cinéma gay, #trans&transgenre

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Publié le 25 Février 2020

Le retour flamboyant et gagnant de l’héroïne de Bridget Jones après une décennie 2010 délicate.

 

C’est le rôle d’une vie ! Pour Renée Zellweger, actrice acidulée des années 1990 qui explosa en « girl next door » très british, interpréter Judy Garland relève du miracle. Il aura fallu que la comédienne ravage son visage à coups de bistouri puis vive une traversée du désert infernale à l’aube de ses quarante ans pour que son cuir se tanne du vélin dont sont faites les grandes actrices. Tels sont souvent les destins de cinéma. C’est donc à une Renée Zellweger en phase terminale de starification que Rupert Goold, metteur en scène de théâtre britannique réputé, pense pour interpréter une Judy Garland en fin de carrière. Tout spécialiste de Shakespeare qu’il est, les producteurs lui opposent un refus net. « Anne Hathaway – de dix ans sa cadette- ferait bien mieux l’affaire », lui explique-t-on. Mais Rupert tient bon et défend Renée bec et ongles. C’est elle ou personne. La comédienne, de son côté, se lance dans un entraînement vocal intensif pendant plus d’une année. Elle mange, elle dort, elle boit Judy Garland ! Bien lui en a pris. Sa performance mange l’écran. Elle interprète cette actrice cassée par les médicaments et par le système jusqu’à ce que leurs deux visages et leurs deux voix se mêlent de façon troublante. Il serait trop simple de voir ce rôle comme une performance à Oscar grâce à la transformation et au maquillage. Zellweger semble réellement habitée par son modèle. Sans jamais tomber dans l’imitation, elle rend compte de la complexité d’une vie de star lancée toute jeune et soumise à la pression d’un métier qui exige plus qu’il ne donne. Et finalement, elle nous parle autant d’elle que de Judy Garland. 

Car la force de Judy est aussi dans sa problématique : être et avoir été ! Rupert Goold a ancré son film sur le dernier éclat de la chanteuse : sa série de récitals à Londres à la fin des années 1960 alors que ruinée, elle ne peut plus se payer l’hôtel et que son ex-mari récupère la garde de ses deux plus jeunes enfants. Librement adapté de la pièce de théâtre End of the Rainbow, Judy réinvente la dernière année de la star. Point n’était besoin, en revanche, de nous la montrer en mère courage avec des enfants qui n’ont pas l’âge qu’ils avaient à l’époque. A dire vrai, pour aimer Judy, il ne faut pas s’attendre à un récit authentiquement biographique ; c’est un film qui nous donne envie d’avoir croisé la route de ce petit bout de femme. A l’image de ce couple d’homosexuels, fans de Judy Garland (oui, c’est un peu cliché), qui expérimentent une rencontre surréaliste avec la star. Leurs scènes sont probablement les plus réussies du film - avec les chansons- car elles permettent à Renée Zellweger de sortir des figures attendues. 

Le film évite surtout l’écueil du biopic chronologique. Et passe même sous silence certains points noirs de la vie de la star. Il est centré autour d’un unique flashback distillé tout au long du film : le tournage du Magicien d’Oz quand Judy avait 16 ans, trente ans auparavant. Là, on est témoin de l’autorité de Louis B. Mayer sur l’adolescente, des restrictions alimentaires qu’on lui impose, de la mise en scène de sa vie privée avec un autre comédien du studio, Mickey Rooney. Sous les feux des projecteurs, la jeune fille se fait voler son adolescence. Même si, là encore, il y a des raccourcis. La très autoritaire mère de Judy Garland est par exemple absente du tableau. La scène finale du film fait le lien entre les deux Judy (la débutante et la survivante) avec une interprétation ô combien poignante de « Over the Rainbow », le tube qui accompagna sa carrière. On est déchiré de l’intérieur par la force donnée aux paroles de la chanson de Dorothy. Là-bas, au-dessus de l’arc-en-ciel, il existait bien une vie pour Frances Ethel Gumm (son vrai nom). Le cinéma l’a prise.

Judy, en salles le 26 février 2020.

Source première

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Rédigé par Michael

Publié dans #sorties cinéma, #Biopic

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Publié le 23 Février 2020

EMMA.

27 mai 2020 / 2h 05min / RomanceDrameComédie
Nationalité Britannique
Adaptation du roman éponyme de Jane Austen sorti en 1815.

Emma Woodhouse tente de faire rencontre aux célibataires de son cercle d'amis leur âme soeur.

Ce qui est particulièrement nouveau dans cette version d' Emma. c'est qu'elle se penche sur l'amitié intense entre Emma et Harriet, la jeune femme qu'elle souhaite aider à trouver un époux dans une classe différente.

«Je pense que la relation entre Emma et Harriet est la première histoire d'amour», dit Wilde, c'est notant l'histoire d'amour queer du film sans équivoque. Bien que ceux qui connaissent l'histoire savent qu'Emma a finalement épousé son ami Knightley.

«Jusqu'à ce qu'elle réalise à quel point elle aimait Harriet et comment elle ne pouvait pas vivre sans elle», dit-elle. "Je pense qu'il est vraiment important de se rappeler combien il y a de différents types d'amour"

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Rédigé par Michael

Publié dans #sorties cinéma, #cinéma gay, #lesbien

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Publié le 20 Février 2020

Bollywood sort sa première grande comédie romantique avec un personnage gay principal.

Shubh Mangal Zyada Saavdhan (traduction: Soyez extrêmement prudent à propos du mariage ) met en vedette Ayushmann Khurrana en tant que jeune homme combattant la stigmatisation anti gay dans la société et sa famille.

la bande - annonce, qui a accumulé plus de 50 millions de vues, présente un Khurrana torse nu portant un drapeau arc-en-ciel comme cape et dénonçant la "maladie" de l'homophobie de son père. 

Alors que le sujet queer est véhiculé par la comédie, il était important pour l'écrivain et réalisateur Hitesh Kewalya de ne pas se moquer des homosexuels, comme cela a été le cas historiquement dans les films indiens. Le film est réalisé "de manière à le rendre accessible, et l'humour semblait être le choix naturel pour y parvenir", a déclaré Kewalya à l' Agence France-Presse .

En 2018, la Cour suprême de l'Inde a finalement annulé son interdiction de l'homosexualité, bien que les personnes LGBTQ soient toujours confrontées à la stigmatisation et au manque de protections juridiques. Bhushan Kumar, le président de T-Series, qui a coproduit le film, a déclaré que  Shubh Mangal Zyada Saavdhan est prêt à défier ces tabous, en particulier pour les publics plus âgés.

"Nous avons un message intéressant - d'acceptation sociétale - quoique d'une manière beaucoup plus amusante afin qu'il atteigne plus de personnes et les aide à réévaluer leurs pensées pré-conditionnées", a déclaré Saavdhan à l'AFP.

Shubh Mangal Zyada Saavdhan sera projeté vendredi en Inde, et il reste à voir comment il sera reçu par le public. Fire, un film de 1996 sur une relation amoureuse entre femmes indiennes, avait déclenché des protestations et un questionnement nationale sur la liberté d'expression et la visibilité LGBTQ.

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Rédigé par Michael

Publié dans #sorties cinéma, #cinéma gay, #homophobie

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Publié le 19 Février 2020

Ruth Wilson et Matt Bomer ont signé pour jouer dans The Book of Ruth, un long métrage basé sur la vie de Ruth Coker Burks, une «femme d’église hétéro» qui a prodigué des soins de fin de vie à près de 1 000 homosexuels.ayant le SIDA dont les familles les avaient abandonnés.

Deadline reports : «En 1983, Ruth Coker Burks (Wilson) mène une vie bien remplie, consacrée à son travail, à sa fille de six ans Jessica et à sa foi. Lorsqu'un beau nouveau voisin (Bomer) se révèle être un New-Yorkais gay qui a fui la ville et est rentré chez lui après la mort de son partenaire du sida, elle décide de s'informer sur l'épidémie qui frappe le pays. »

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Rédigé par Michael

Publié dans #sorties cinéma, #Biopic, #cinéma gay

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Publié le 17 Février 2020

The Eternals, l'un des prochains films Marvel, mettra en scène le premier baiser LGBTQ du MCU entre le super-héros Phastos (Brian Tyree Henry) et son mari (Haaz Sleiman).

Réalisé par Chloé ZhaoThe Eternals est le premier film choral de la phase IV du MCU, dont les Avengers sont absents. Ce long-métrage, prévu le 4 novembre 2020 en France, suivra les aventures des Éternels, des êtres aux pouvoirs cosmiques luttant contre les Déviants pour protéger la Terre. Au casting, on retrouve notamment Angelina Jolie (Théna), Salma Hayek (Ajak), Kumail Nanjiani (Kingo), Kit Harington (Black Knight), Gemma Chan (Sersi), Ma Dong-seok (Gilgamesh), Lauren Ridloff (Makkari), Richard Madden (Ikaris) et Brian Tyree Henry (Phastos).

Et c’est justement le personnage de Phastos qui a récemment fait parler de lui puisqu’il a été annoncé par Kevin Feige comme un super-héros gay, marié et père de familleL’acteur Haaz Sleiman, qui incarne le conjoint de Phastos, a confié lors d'une interview pour New Now Next, relayée par Entertainment Weekly, que The Eternals mettra en scène le premier baiser LGBTQ du MCU. Cette séquence est très émouvante selon lui : 

"Tout le monde a pleuré sur le tournage. C’est très important pour moi de montrer à quel point une famille queer peut être belle et aimante. Brian Tyree Henry est un acteur formidable qui a su rendre son personnage magnifique. J’ai même vu ses yeux pétiller comme un enfant à un moment donné et je pense que c’est important de rappeler au monde que les membres de la communauté queer ont aussi été des enfants. Nous oublions souvent de représenter cette partie plus humaine de notre communauté puisque nous sommes toujours représentés comme des êtres ultra sexualisés ou rebelles."

Une manière pour l’acteur de rappeler que les représentations comptent et que les films sont un moyen de faire avancer les mentalités. Par ailleurs, The Eternals offrira un spectre large de représentations permettant de briser les barrières, puisque Makkari, incarnée par Lauren Ridloff, est le premier personnage malentendant du MCU.

Source allociné

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Rédigé par Michael

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Publié le 11 Février 2020

Homophobe jusqu’à ses 18 ans, le réalisateur iranien Diako Yazdani entreprend dans sa jeunesse une réflexion sur la sexualité. Accompagné de son ami Kojin, il confronte sa famille et des représentants de la société kurde à l’homosexualité dans un documentaire à la première personne.

 

Diako Yazdani vit à Paris depuis 2011. Kurde iranien, il a fui son pays où il ne peut plus se rendre. En 2014, il retrouve en Irak un ami kurde et iranien, qui lui confie être gay. Diako prend alors conscience de la double oppression que vit son ami, renié par sa famille et réfugié en Allemagne, en raison de son appartenance ethnique et de son orientation sexuelle. C’est ainsi que le sujet de l’homophobie dans la société kurde s’impose au réalisateur.

Obscurantisme

Quelques années plus tard, Diako s’empare d’une caméra et se rend en Irak pour retrouver Kojin, 23 ans, qu’il a rencontré à l’aide d’une application. Il est le seul Kurde homosexuel qui accepte de lui livrer son témoignage. Les deux hommes vont d’abord à la rencontre d’un imam. La désinformation est totale. Il peut guérir le sida autant qu’il peut sauver les gays. L’homosexualité est une maladie psychologique qui se soigne en chassant le « djinn » (esprit malveillant) qui habite le patient. Il faut donc se taper le dos – où le « djinn » se cache chez les homosexuels – et réciter le Coran pendant quelques heures pour se soigner. Car c’est du dos que provient le sperme de l’homme avant de passer par le testicule droit (le testicule gauche est quant à lui rempli d’urine – sic). Un homosexuel attrape la syphilis, le sida ou encore Ébola. Il ne peut plus « retenir ses saletés et pète tout le temps. » L’imam conclue son discours en annonçant qu’il faut tuer les hommes qui résisteraient à son traitement.

Après cette séquence d’obscurantisme ahurissante, Diako Yazdani met en scène la rencontre de sa famille avec Kojin. Car pour faire la critique de la société kurde, il doit aussi faire son autocritique. A nouveau la discussion s’annonce complexe. La mère de Diako annonce qu’elle préfèrerait mourir plutôt que d’avoir un enfant homosexuel (ou bien tuer l’enfant pour sauver l’honneur de la famille). On évoque aussi la création d’un État-Nation pour ces individus afin d’éviter que ceux qui les observent ne deviennent comme eux. Puis c’est à Kojin de livrer son témoignage glaçant : il confie avoir été violé à plusieurs reprises par plusieurs hommes. La famille de Diako est sincèrement émue par son histoire. Le père lui souhaite finalement de trouver le bonheur, et de réussir à être fier de lui un jour. 

Liberté d’aimer

Grâce à ce documentaire, Kojin ouvre à son tour une réflexion sur lui, sur l’homosexualité et sur les histoires des homosexualités. Lors d’un entretien réjouissant avec un intellectuel progressiste, il comprend que les langues kurdes ne permettent pas de parler de sexualité convenablement. L’intellectuel lui rappelle les mots du poète syrien Adonis : « si l’on retire de la poésie arabe les métaphores homosexuelles, que reste-t-il ? » Un an plus tard, Kojin est épanoui, réalise qu’il n’a pas besoin de devenir une femme pour continuer à aimer les hommes… Il découvre que lui aussi peut prétendre à la liberté d’aimer.

Toutes les vies de Kojin est un objet cinématographique étrange et beau, à la fois angoissant et débordant d’humanisme, et qui porte haut la volonté de son réalisateur de comprendre et de défendre des minorité opprimée au sein d’une communauté kurde elle même asservie. En novembre 2019, il remporte le Prix du Jury de la Compétition Documentaires du festival Chéries-Chéris. Après Luciérnagas de Bani Khoshnoudi, c’est le deuxième film qui sort en salle cette année d’un cinéaste hétérosexuel iranien à se saisir de la question de l’homosexualité. Une nouvelle génération d’artistes et intellectuels est-elle en train d’ouvrir la voie à l’acceptation plus large des minorités sexuelles au Moyen-Orient ?

Sortie en salle le 12 février

Source Têtu 

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Rédigé par Michael

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Publié le 9 Février 2020

Dans Deux le premier long métrage de Filippo Meneghetti, deux voisines de palier septuagénaires tentent de garder leur amour secret. Un drame pudique et bouleversant.

 

Madeleine et Nina partagent le même palier, dans un immeuble résidentiel. Alors que pour ceux qui les entourent elles ne sont que simples voisines, les deux   septuagénaires vivent depuis de nombreuses années une relation amoureuse dans le plus grand secret. Formidablement incarné par ses actrices, le premier long-métrage du réalisateur italien Filippo Meneghetti questionne dans un huis-clos saisissant l’autocensure que l’on construit au regard de son entourage.

Madeleine, interprétée par Martine Chevallier, de la Comédie Française, est veuve. Elle vit dans son appartement à la décoration bourgeoise, quasi-figée, où ses enfants lui rendent visite régulièrement (notamment sa fille incarnée à l’écran par Léa Drucker). Nina (Barbara Sukowa) mène quant à elle une vie plus sauvage. Elle a rejoint Madeleine en France il y a plusieurs décennies et n’attend qu’une chose, que les deux femmes s’installent ensemble en Italie. A la suite d’un accident, Madeleine perd sa voix et son autonomie. Le film devient le récit pudique de la convalescence de Madeleine, de sa fille Anne qui organise sa vie autour de celle de sa mère, et de Nina qui devient empêchée du jour au lendemain d’approcher la femme qu’elle aime.

Autocensure

Afin d’atteindre Madeleine, Nina doit user de stratagèmes et de manipulations. Le passage d’un appartement à l’autre relève de la véritable infiltration. Comment retrouver une place aux côtés de Madeleine sans compromettre ce qu’elle avait choisi de ne pas révéler ? Il s’agit pour Meneghetti d’interroger le rapport que l’on a aux passions et à la sensualité de nos parents. Pourquoi Madeleine tait depuis tant d’années cette relation à ses enfants ? Comment se construit-on, sans ne jamais se préparer à une éventuelle nouvelle vie amoureuse de nos parents ?

Dans ce mélodrame naturaliste aux accents de thriller, Meneghetti signe un film dont la mise en scène capte le spectateur au premier instant. La photographie oscille entre chaleur et âpreté. Tournée en scope, les personnages semblent suffoquer dans le théâtre que forment les deux appartements. Les ambiances sonores participent activement à la dramaturgie grâce à une attention particulière portée aux bruits : le tambour d’une machine à laver, le son d’un réfrigérateur ou la minuterie de l’éclairage ne font qu’accroitre l’angoisse et la solitude des deux personnages, séparés par un palier et des conventions sociales.

Urgence d’aimer

Deux c’est aussi le récit sur l’urgence d’aimer. On ne peut que s’émouvoir devant la vitalité de la relation des deux femmes. Une scène particulièrement bouleversante s’arrête sur le pouvoir quasi miraculaire de la musique qui permet de raccrocher des souvenirs perdus. Madeleine absente depuis son accident, semble renaître à l’écoute des premières notes d’une chanson que Nina lui fait écouter. Les deux femmes sont submergées d’émotion et revivent par des regards et des gestes ce souvenir perdu.

On pense enfin au documentaire Les Invisibles de Sébastien Lifshitz (2012), qui témoignait pour la première fois des hommes et femmes homosexuels nés pendant l’entre-deux guerre. Deux c’est l’une des premières représentations de fiction traitant des amours de cette génération invisible. Présenté en première à Toronto en septembre 2019, ce drame universel ne cesse de voyager dans les festivals du monde entier.


Sortie le 12 février

Source têtu

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Rédigé par Michael

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Publié le 6 Février 2020

Le film Birds Of Prey offre-t-il une représentation LGBTQ à la hauteur ? Eh bien, pas vraiment.

Les fans de super-héros queer aspirent à une représentation LGBT authentique et substantielle dans les films à succès depuis des années, mais malgré les rumeurs selon lesquelles Birds of Prey serait le film qui allait finalement inverser la tendance, le résultat est assez décevant.

Birds of Prey est un film incroyablement agréable. Il est plein de femmes fortes, de scènes de combat épiques, de dialogues savoureux et propose des visuels incroyablement élégants. C'est sans aucun doute le plus amusant film de super-héros.

 

Maintenant, à propos de ces personnages LGBTQ. Au début du film, on nous présente la détective Renee Montoya (Rosie Perez) et son ex-petite amie Ellen Yee (Ali Wong). Deux personnages ouvertement lesbiens dans un blockbuster de super-héros majeur cela devraient ressembler à un grand moment, mais au-delà de la confirmation initiale de leur relation, il ne se passe rien d'autre. Il y a des tensions entre elles, bien sûr, mais pas plus que ça.

Il y a aussi un petit clin d'œil qui fait référence au fait qu'Harley sortait avec une femme dans le passé, mais encore une fois, rien de plus que ce petit moment. Nous nous attendions presque à la voir flirter avec Black Canary (Jurnee Smollett-Bell) ou The Huntress (Mary Elizabeth Winstead) après sa grande rupture avec The Joker, mais cela ne s'est jamais produit. Pour un personnage bisexuel établi cela ressemble à une opportunité manquée, d'autant plus que Margot avait exprimé son désir d'explorer la sexualité d'Harley à l'écran, allant même jusqu'à suggérer Poison Ivy comme un intérêt amoureux potentiel.

 

La plus grande déception du film, cependant, est son refus de valider la relation entre le duo méchant Roman Sionis alias Black Mask (Ewan McGregor) et Victor Zsasz (Chris Messina). Avant la sortie du film, il y avait beaucoup de rumeurs selon lesquelles Roman était décrit comme gay ou bisexuel, tandis qu'Ewan lui-même disait qu'ils étaient "probablement" un couple.

Malheureusement, cela ne s'est jamais concrétisé à l'écran. Roman est un rival fortement connoté  Queer, se prélassant dans son appartement en pyjama de soie à la façon d'un Liberace. Victor, quant à lui, incarne le partenaire passionné qui ferait tout pour lui. Les deux hommes sont inséparables, et la chimie est définitivement là - à tel point que l'on passe la majeure partie du film à attendre qu'ils s'embrassent. Mais la sexualité des personnages n'est jamais révélée.

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Rédigé par Michael

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Publié le 5 Février 2020

Like a boss (2020)

Avec Tiffany HaddishRose ByrneSalma Hayek, Billy Porter
Nationalité Américaine
L'amitié entre deux femmes qui sont, toutes les deux, à la tête d'une entreprise. Leur relation va être mise en péril car leur société est sur le point d'être rachetée. Leurs différences de caractère que faisaient leur force deviennent des armes de guerre.

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Rédigé par Michael

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