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Peut-on rester toujours le même, doit-on se réinventer, est-il permis de vieillir quand on est Pedro Almodóvar ?

Ce type aura 70 ans dans quelques mois. Le moment de se poser des questions, de regarder derrière soi comme on prend sa respiration. Le vingt-deuxième film de Pedro Almodóvar commence au fond de la piscine. En apnée. Tenir. Tenir. Tenir. Et enfin, tout laisser remonter à la surface. Être ou ne pas être Almodóvar, telle est la question. On ne le présente plus, avec sa bille de clown, ses cheveux en pétard, ses couleurs criardes, ses femmes en colère, en détresse, trop maquillées, trop belles, trop femmes, et les types flamboyants qui essaient de tenir l’écran face à elles. Depuis près de trente ans, il signe ses films « Almodóvar », sans prénom. Personne n’a osé ça avant lui. Ni Kubrick, ni Hitchcock, ni Godard (du moins en le systématisant). Pas vraiment besoin de titre, non plus. À quoi bon ? Celui-ci s’appelle Douleur et Gloire, mais on a dû revérifier sur internet une semaine après l’avoir vu. Un « Almodóvar », c’est mieux qu’une promesse, des certitudes, un parfum, un rendez-vous. Vingt-deux films en quarante ans, ça vous pose un cinéaste. Il tournait presque chaque année, au début, et puis le rythme a ralenti pour se caler sur un film tous les trois ans, désormais, comme un vieil athlète qui doit se ménager. Il le dit littéralement dans Douleur et Gloire : « Un tournage, c’est une épreuve physique, je ne m’en sens plus capable. » Enfin, ce n’est pas tout à fait lui qui le dit mais son alter ego fétiche, Antonio Banderas, qui joue ici un vieux réalisateur raplapla, au fond du trou, préférant rester chez lui fumer de l’héroïne avec un acteur junkie, plutôt que d’affronter son propre mythe lors d’un hommage à la Cinémathèque. Parce que, voyez-vous, c’est dur d’être condamné à la lumière, à l’excentricité, à une part de folie qui vous quitte peu à peu, en même temps que la jeunesse et la libido. Dur aussi d’être condamné à se répéter, d’une manière ou d’une autre, comme le premier auteur venu. Tu as vu le dernier Almodóvar ? Oui, pas mal, pas son meilleur... Combien de fois a-t-on entendu ça à la sortie d’un de ses films ? Combien de fois a-t-il su que c’était ce que les gens disaient, une fois les flashs éteints et les tapis rouges rangés jusqu’à l’année prochaine ?

PSYCHANALYSE SUR GRAND ÉCRAN
Avec le temps, Almodóvar est devenu sa propre prison, sa propre sentence, obligé d’être génial (Parle avec elle) ou de décevoir, obligé d’être lui-même jusqu’à sa propre lassitude, son propre épuisement. Un cinéaste comme lui a le droit de disparaître, bien sûr, mais a-t-il le droit de vieillir ? La question, douloureuse, est au cœur de ce film introspectif, à mi-chemin entre Amarcord et 8 et demi, qui mélange l’enfance et l’autoportrait d’un artiste en crise existentielle. Almodóvar doublement face à lui-même, enfermé dans des pièces sans fenêtres, entouré d’œuvres d’art et de murs peints aux couleurs de ses films, prisonnier de lui-même, de son art, de son impossibilité à se réinventer. Alors, il a recours à un truc vieux comme la page blanche : il fait un film sur cette impossibilité même, un vrai film psychanalytique, où il remonterait jusqu’au premier amour (sans doute la plus belle scène du film, deux barbes poivre et sel qui discutent du passé jusqu’au bout de la nuit) et, encore au-delà, au premier désir, sous le cagnard, quand on était enfant et que l’idée du sexe s’est matérialisée pour la première fois.

DOUBLE INSPIRATION
Douleur et Gloire remonte ainsi à l’origine des choses, l’enfance de l’artiste, l’enfance de l’art. Il le fait avec grâce et retenue, une émotion douce en rupture avec le « almodovarisme » habituel. Ce film va moins vite, moins fort, moins loin peut-être, mais il plonge plus profond que la plupart des précédents. C’est une oeuvre grisonnante, tournée par un homme qui en a plein le dos et trouve le temps qui passe de plus en plus dur à avaler. Un homme qui doit se convaincre que ce n’est pas fini, qu’il a encore quelque chose à dire et les ressources intimes pour le faire. Au fond de la piscine, il retient sa respiration. Bientôt, il faudra remonter. Et reprendre son inspiration... selon un double sens qui est le même en espagnol et en français. Avec elle reviendront les acteurs qui lui ont cassé les couilles, les souvenirs enfouis, les hommes qu’il a aimés, la mère tant adorée qui « détestait l’autofiction » et qui, quand on y pense, ne ressemblait pas le moins du monde à Penélope Cruz. Car ça, ne l’oublions pas, c’est la beauté du cinéma.

Douleur et gloire, en salles le 17 mai 2019

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Dexter Fletcher filme la vie "officielle" d’Elton John à la façon d’une comédie musicale du West End, et c’est surexcitant.

Les biographies de stars, qu’elles chantent du rock ou pas, se divisent en deux grandes catégories : les "autorisées" et les "non autorisées". Rocketman, produit par Elton John, se range d’emblée dans la première catégorie, la biographie officielle, validée par leur sujet lui-même. Qui a accepté donc qu’on le mette en scène comme le narrateur de sa propre dépression, de son propre narcissisme et de ses addictions diverses – le film est raconté au cours d’une séance entre alcooliques dans une clinique où le chanteur, travesti comme un démon, se met peu à peu à nu et raconte sa carrière fulgurante. L’enfance, le père qui s’en va et la mère indifférente, la rencontre avec le piano et avec son parolier Bernie Taupin, puis la gloire planétaire, la drogue, l’homosexualité, tout y passe, jusqu’à l’épiphanie et la promesse de se pardonner à soi-même pour avancer. Soit ça, soit le suicide et l’autodestruction. Bref, le programme classique d’une star du rock d’après-guerre. Mais ce qui fait le prix de Rocketman, c’est que le film assume pleinement son statut de biopic pop et devient une comédie musicale authentique, où les acteurs chantent eux-mêmes des versions réorchestrées des tubes d’Elton lors d’électrisantes séquences dansées, justement kitsch et follement divertissantes.

Rocketman possède toute la flamboyance la joie qui manquaient à Bohemian Rhapsody, la comparaison avec ce dernier est inévitable puisque le réalisateur Dexter Fletcher a terminé le biopic de Freddie Mercury à la place de Bryan Singer. Mais Fletcher avait aussi tourné Eddie the Eagle, biopic pas terrible sur un skieur anglais nul à lunettes, interprété par Taron Egerton : ce dernier incarne avec un charme et une énergie folles un Elton John arlequin, vortex autour duquel tourbillonne les tout aussi charmants et énergiques Jamie Bell (le parolier Bernie Taupin), Richard Madden (le manager/amant roublard John Reid incarné en moins requin par Aidan Gillen dans Bohemian Rhapsody)…

A la façon d’une comédie musicale du West End transformant sa matière musicale en énergie scénique pure (le film est d’ailleurs écrit par Lee Hall, qui a adapté Billy Elliott sur scène avec une musique d’Elton John),Rocketman ne cherche pas finalement pas une quelconque vérité sur Elton John, mais la beauté et la joie, un peu dans la lignée de ce que voulait faire Clint Eastwood avec Jersey Boys. Si l’on voit les mécanismes, mais c’est également l’un des traits des musicals de nous montrer qu’au cinéma tout est mécanisme, ordonnance, machinerie, chorégraphie.

Présenté hors compétition au 72ème Festival de Cannes, Rocketman est en salles le 29 mai

Source première

Le producteur David Furnish (le mari d’Elton John) ainsi que le réalisateur Dexter Fletcher et la star Taron Egerton ont tous assuré au public que, contrairement aux rumeurs, le film n’atténuerait aucunement les éléments de l’histoire d’Elton, y compris sa sexualité. 

Ce nouvel extrait  montre Elton John et son futur petit ami / manager John Reid (Richard Madden) lors de leur première rencontre.

Le réalisateur du prochain drame romantique Ammonite a publié la première image officielle de Kate Winslet et de Saoirse.

Ammonite racontera l’histoire de la paléontologue de l’époque victorienne, Mary Anning (Winslet), tombée amoureuse d’une jeune femme, Charlotte (Ronan).

Le passage très graphique présent dans le roman de Stephen King ne pouvait pas être laissé de côté selon le scénariste du film.

Comme dans toutes les œuvres de Stephen King, Ça ne manque pas de passages horrifiques et dérangeants. Dans ses descriptions brutales des crimes commis sous l’influence de Pennywise (Gripsou en version française), l’auteur de Shining et du Fléau avait notamment choqué en dépeignant l’assassinat d’un jeune homosexuel. Une scène d’une importance primordiale selon le scénariste Gary Dauberman, bien décidé à l’adapter à l’écran.

"C’est une scène iconique du livre et nous avons décidé de l’inclure dans le film. C’est la première attaque dans le Derry d’aujourd’hui et cela montre ce que la ville est devenue", explique-t-il dans une interview à The Hollywood Reporter. Poussé du haut d’un pont par trois adolescents homophobes puis dévoré par Pennywise, le jeune Adrian Mellon sera incarné par Xavier Dolan dans le film d’Andy Muschietti. "C’est l’influence de Pennywise, même lorsqu’il est endormi, et ce qui arrive à Adrian est tout simplement horrible. Il était important que nous montrions ces brutes qui agissent sous la coupe de Pennywise", ajoute-t-il.

Cet élément déclencheur des violences dans la ville Derry ne sera pas le seul élément de commentaire social dans le film de Muschietti. Le réalisateur du premier chapitre introduira également la thématique de la violence domestique, rattachée au personnage de Beverly (Jessica Chastain). La promesse d’une œuvre plus sombre et horrifique que le premier volet, dont la sortie est prévue le 18 septembre prochain.

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Sacré meilleur film aux Teddy Awards de Berlin en 2018, « Hard Paint », du duo brésilien Filipe Matzembacher et Marcio Reolon sort enfin en salles en France. À ne pas manquer !

Komitid vous avait déjà prévenu, Hard Paint, nouveau film du duo brésilien Filipe Matzembacher et Marcio Reolon (Beira Mar, The Nest), récompensé aux Teddy Awards berlinois en 2018, est un chef d’œuvre. Film sublime, simple et direct, Hard Paint est une explosion de couleurs et de musiques transcendée par une réelle vision politique de la violence subie par les minorités. Voici quelques bonnes raisons de vous précipiter en salles le 15 mai !

Solitaire, fuyant le lien social, Pedro trouve son salut sous le pseudo de « Garçon Néon » sur un site de chat via webcam. Là, il s’exhibe à la vue des internautes-clients magnifiant son corps et ses mouvements par des peintures fluorescentes et des effets de lumière. Sa rencontre avec un camboy rival, Léo, un danseur qui lui aurait piqué son concept de jeux de peinture, va ouvrir en lui un nouveau champ des possibles. À travers le parcours de Pedro et de Léo, c’est toute la violence de la société brésilienne contre les minorités qui est donnée à ressentir plus qu’à comprendre. Le travail des deux réalisateurs sur les corps, physiques et sociaux, sur la dureté de l’environnement, de la ville (celle de Porto Allegre au sud du Brésil, une ville qu’on quitte) rappellent les grandes heures du « new queer cinema ». Ce travail dessine les contours d’un cinéma brésilien affirmé, politique qui avait vu venir la radicalisation politique en place quelques mois après le tournage du film. Un geste de cinéma brut et politique.

Si le film développe sa propre esthétique des lieux (intérieurs dépouillés aux couleurs passées que sauvent les jeux de peinture et de lumière noire, rues d’une ville en pleine crise sociale, lieux de fête idéalisés comme des îlots de liberté), les cadres, les palettes de couleurs et les atmosphères rappellent de nombreux maîtres du cinéma queer. On peut penser à Derek Jarman, à Rainer Fassbinder ou même à Xavier Dolan. Les deux jeunes cinéastes, que Komitid a interviewés, revendiquent une vraie cinéphilie et de nombreuses influences européennes et développent un univers personnel qui n’a pas peur de montrer les corps, le sexe, et sa possible marchandisation comme les rares échappatoires face à une société violente et en déliquescence. La violence de cette société est elle aussi présente à chaque instant que ce soit lors du parcours judiciaire de Pedro, ou lors de confrontations inattendues au détour d’une soirée ou d’un flashback de quelques secondes. Mais l’autre personnage principal du film, c’est la musique. La bande-son qui alterne groupes électro indé brésiliens et titres plus internationaux est un vrai bijou, à découvrir sur Spotify.

Ces choix musicaux précis collent à la perfection aux ambiances, au propos et ajoutent à la singularité de la mise en scène qui fait la force incontestable du film. À titre d’exemple, le dernier plan du film, sans autre son que le sublime titre d’Anohni, Drone Bomb Me, est l’un des gestes de cinéma les plus purs, les plus beaux, les plus simples et signifiants qu’on ait vu depuis longtemps.

Par Franck Finance-Madureira pour Komitid

En compétition pour la Palme d’or, Xavier Dolan revient au Festival trois ans après le Grand Prix de Juste la fin du monde avec Matthias & Maxime.

De quoi ça parle ?

Deux amis d’enfance s’embrassent pour les besoins d’un court métrage amateur. Suite à ce baiser d’apparence anodine, un doute récurrent s’installe, confrontant les deux garçons à leurs préférences, bouleversant l'équilibre de leur cercle social et, bientôt, leurs existences.

Pourquoi on l’attend ?

Juste La fin du monde l’avait placé au firmament des réalisateurs. Réussissant à envoûter la pièce de Jean-Luc Lagarce et à sublimer un casting de stars (Marion Cotillard, Léa Seydoux, Vincent Cassel, Gaspard Ulliel et Nathalie Baye), Xavier Dolan se montrait en totale maîtrise de son art. Son dernier film, Ma vie avec John F. Donovan, tourné en langue anglaise l’a hissé encore d’un cran, tant cette oeuvre très ambitieuse et très réussie -même si elle n’a pas rencontré le public américain- mettait en avant son lyrisme et sa précision dans la mise en scène. Avec Matthias & Maxime, il revient à plus de simplicité et interprète aux côtés de Gabriel D'Almeida Freitas (un humoriste Québécois) un des deux rôles principaux.

Le CV Cannois de Xavier Dolan 

Le réalisateur Canadien est un enfant de Cannes. Son premier long métrage J'ai tué ma mère a été présenté à la Quinzaine des réalisateurs en 2009. Il venait de fêter ses 20 ans. En 2010, son deuxième est Les Amours imaginaires, est en sélection officielle, à Un certain regard, tout comme  Laurence Anyways l’année suivante. C’est avec son cinquième film, Mommy, qu’il rejoint, en 2014, la courte liste des réalisateurs sélectionnés pour la compétition. Le film décroche le prix du Jury, (ex-æquo avec Adieu au langage de Jean-Luc Godard) à la grande surprise de la critique enthousiaste qui le rêvait plus haut dans le palmarès. En 2015, il est membre du jury sous la présidence de Joel et Ethan Coen. En 2016, lors du 69ème Festival du Film, il présente Juste la fin du monde qui reçoit le Grand Prix du Jury.

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En lice pour la Palme d’Or, Céline Sciamma fait son entrée dans la compétition avec un film d’époque sur une jeune femme qui veut refuser un mariage arrangé.

De quoi ça parle?

Sur une île isolée en Bretagne, à la fin du XVIIIème siècle, Marianne, une peintre est mandatée pour faire le portrait d’Héloïse, une jeune fille qui doit se marier. Mais Héloïse résiste à son destin d’épouse en refusant de poser. Marianne va devoir la peindre en secret. Introduite auprès d’elle en tant que dame de compagnie, elle la regarde.

Pourquoi on l’attend ?

Portrait de la jeune fille en feu marque les retrouvailles de Céline Sciamma et d’Adèle Haenel, douze ans après Naissance des pieuvres, le film qui les révéla toutes les deux. Sciamma quitte pour la première fois le bitume contemporain pour oser le film d’époque auquel elle apportera certainement un nouveau regard. Sa façon de filmer qui sublime si bien les visages et fait l’éloge de la liberté trouve son écho dans cette relation de la peintre et de son modèle non consentant. Outre Adèle Haenel, elle jouit d’un beau casting avec Noémie Merlant (Le ciel attendra, Curiosa) , Valeria Golino et Luàna Bajrami,la révélation de L’heure de la sortie.

Le CV cannois de Céline Sciamma

C’est une première en compétition pour la réalisatrice de 40 ans, mais ce n’est pas une première Cannoise. On l’a découverte en 2007 avec Naissance des pieuvres dans la section Un certain Regard. Sept ans plus tard, elle faisait l’ouverture de la Quinzaine des Réalisateurs avec son troisième film, Bande de filles. A noter que son héroïne Adèle Haenel fait un carton plein dans les trois sélections puisqu’elle présente deux autres films sur la Croisette: Le daim de Quentin Dupieux en ouverture de la Quinzaine des Réalisateurs et Les héros ne meurent jamais de Aude-Léa Rapin à la Semaine de la Critique.

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Pedro Almodovar attend vainement sa Palme d’or qui se refuse à lui depuis des années. Et si avec ce récit introspectif où le cinéaste espagnol se met à nu, le sacre suprême avait enfin lieu ?

De quoi ça parle ?

Salvador Mallo (Antonio Banderas), la soixantaine, est un cinéaste à la santé fragile et en panne d’inspiration. Il s’apprête à recevoir un hommage à la Cinémathèque de Madrid via la ressortie d’un ancien film qui a laissé en lui des traces douloureuses. Alors que l’évènement approche, Salvador ouvre la porte de ses souvenirs et revisite une partie de son enfance. Salvador voit aussi un ancien amant refaire surface…  

Pourquoi on l’attend ?

En 40 ans de carrière, l’imposante filmographie (22 long-métrages) de Pedro Almodovar offre une rare cohérence ponctuée de chefs-d’œuvre. Sa dernière venue cannoise en 2016 avec le formidable Julieta, injustement reparti bredouille, démontre que contrairement au héros de ce Douleur et gloire, le cinéaste n’a rien perdu de son inspiration. Ce film assumé comme autobiographique par son auteur, s’annonce comme son Huit et demi fellinien avec Antonio Banderas en Marcello Mastroianni.

Le CV cannois de Pedro Almodovar

La croisette et Almodovar c’est une longue histoire d’amour qui laisse encore un goût d’inachevé. Le cinéaste espagnol et les festivaliers attendent encore une Palme d’or qui viendrait logiquement couronner une carrière exemplaire. Tout débute sur les marches rouges en 1999 avec Tout sur ma mère qui obtient un Prix de la mise en scène. Puis vient Volver en 2006, récompensé pour son scénario. Quant à Etreintes brisées (2009), La piel que habito(2011) et Julietta (2016), ils sont repartis sans lauriers. En 2004, La mauvaise éducation était présenté hors compétition.

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